En este artículo, Guggenheim Bilbao, la colección, realizaré un recorrido por algunos de los artistas internacionales más relevantes del arte contemporáneo que integran el patrimonio del museo.
Como museo de arte contemporáneo, la creación artística parte de la segunda mitad del siglo XX.
Se trata de obras de gran relevancia y referentes internacionales de las corriente artísticas de las épocas en las que fueron creadas.
Desde la incuestionable grandeza de escultores locales como Oteiza o Chillida, pasando por una Mariyn Monroe reflejada en la obra de Andy Warhol y siguiendo por Richard Serra y sus colosales esculturas que forman «La Materia del Tiempo».
A parte de las adquisiciones realizadas por el museo de Bilbao, financiadas por las Instituciones Vascas, el Guggenheim Bilbao, debemos considerar la gran relevancia de poder acceder a las obras que componen la Solomon Guggenheim Foundation y las de la Peggy Guggenheim Collection de Venecia.
La colección del Guggenheim Bilbao es un recorrido por los artistas y las obras más destacadas del arte contemporáneo
Pasemos a realizar un recorrido por los artistas y las obras más destacados del arte contemporáneo del patrimonio del museo.
Quien desee visualizar las obras de los artistas mencionados, el apartado dedicado a cada uno de ellos incluirá un link al apartado de la web oficial del museo donde aparezcan dichas imágenes.
Foto: By Mikel Arrazola – EJ-Irekia, CC BY 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=55338997
Mark Rothko
Dvinsk; Rusia (actualmente Letonia) 1903 – Nueva York 1970.
El Guggenheim Bilbao adquirió una obra de Rothko.
«Sin título» (1952-1953). Ver imagen.
Su nombre completo es Marcus RothKowitz.
Su obra está catalogada dentro del movimiento del expresionismo abstracto y es considerado uno de los grandes exponentes de la abstracción norteamericana, junto con Newman y Pollock.
Utiliza frecuentemente los grandes formatos, pintando rectángulos con límites indefinidos, con sensación de hallarse suspendidos.
Comenzó su carrera como pintor de formación autodidacta.
En sus inicios estuvo influenciado por el pintor Milton Avery, pero sus óleos superaron dicha influencia con un gran éxito de crítica.
Con el tiempo su pintura adquirió tonalidades oscuras, en las que algunos quieren ver el presagio de su trágico final, el suicidio.
Una completa e interesante reflexión sobre la vida y obra de Mark Rothko:
Vida y Obra
Richard Serra
San Francisco 1939.
El museo adquirió «La materia del tiempo» (The matter of Time) 1994-2005 y «La serpiente» (Snake) 1994-1997.
Foto: By Fred Romero from Paris, France – https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=65735806
Las colosales obras propiedad del museo, ocupan la sala más importante del museo, que fue concebida por Frank Gehry en la creación del edificio para albergar tales monumentales piezas.
El artista diseña la obra y la distribuye en el espacio de tal forma que el espectador se sienta inmerso en ella mientras la recorre.
Serra considera que estas obras son las más importantes de su trayectoria artística.Serra explica el concepto del título «La Materia del Tiempo» en dos vertientes, la duración de la propia visita de quien recorre la obra y la continuidad de la vivencia en el recuerdo del visitante.
Serra considera que las obras adquiridas por el Guggenheim Bilbao, son las más importantes de su trayectoria artística
Por su parte «La Serpiente» (Snake), está formada por tres láminas curvadas que dan ligar a unas formas sinuosas.
Serra es representante del minimalismo norteamericano y es considerado como uno de los mejores escultores actuales.
En su juventud trabajó en una acería, la de Pittsburg, experiencia que posteriormente influyó en su obra.
Estudió literatura en la Universidad de California y arte en la Universidad de Yale.
Sus obras más importantes son en su mayoría son piezas de acero corten de gran formato.
Según iba avanzando su carrera, sus obras crecían en tamaño, saltando de las galerías a los espacios abiertos.
Norman Foster califica a Serra como el más grande de los escultores vivos.
Son obras colosales pero a la vez de formas sencillas y cálidas.
El artista ha tenido una estrecha relación con España, donde ha venido a exponer en numerosas ocasiones y algunas de sus obras han sido adquiridas por instituciones locales.
Serra tiene obras repartidas por muchos lugares del mundo, como Londres, San Francisco o París.
En 2010 se le concedió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. Es Doctor Honoris Causa por las Universidades de Navarra, Yale, y Londres. Así mismo es Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia.
En el siguiente vídeo Richard Serra cuenta porqué de la creación artística:
La Creación Artística
La importancia del dibujo en la obra de Richard Serra se puede analizar en la siguiente entrevista:
La importancia del dibujo
Anselm Kiefer
Donaueschingen, 1945.
El Museo Guggenheim Bilbao posee una importante colección de obras de Kiefer.
«Lucha de imágenes» 1980. Ver imagen.
«Gilgamesh y Enkidu en el bosque de cedros II» 1981. Ver imagen.
«Sin título (el Rin)» 1982. Ver imagen.
«Los caminos de la sabiduría del mundo: la batalla de Hermann» 1982-93. Ver imagen.
«Embarcación solar» 1984-95 Ver imagen.
«Berenice» 1989. Ver imagen.
«Para Robert Fludd» 1995-96. Ver imagen.
«Tierra de los dos ríos» 1995. Ver imagen.
«Girasoles» 1996. Ver imagen.
«Solo con el viento, el tiempo y el sonido» 1997. Ver imagen.
«Las célebres órdenes de la noche» 1997. Ver imagen.
Kiefer es un pintor y escultor alemán perteneciente a la corriente artística neoexpresionista.
Estudió arte en Friburgo de Brisgovia, en Karlsruhe y en Düsseldorf.
Kiefer es uno de los artistas alemanes más conocidos tras la Segunda Guerra Mundial
Es uno de los artistas alemanes más conocidos de los surgidos tras la Segunda Guerra Mundial.
Sus obras aúnan la pintura, la escultura y la fotografía. Utiliza un muy variado tipo de materiales incluso de desecho. Incluye letras, figuras míticas, nombres que hagan referencia a la literatura o la historia. Son frecuentes en sus obras referencias al nazismo.
Propongo la visualización de un vídeo dividido en cinco partes, que definiría como una convivencia con el artista, sus conceptos filosóficos, su visión del arte y su propia obra, su proceso creativo que nunca finaliza, una experiencia de convivencia, hace que inevitablemente comprendamos mejor su obra:
Remembering the Future, 1
Remembering the Future, 2
Remembering the Future, 3
Remembering the Future, 4
Remembering the Future, 5
Eduardo Chillida
San Sebastián 1924-2002
El Guggenheim Bilbao es propietario de las siguientes obras de Chillida:
«Consejo al espacio V», 1993. Ver imagen.
«Espacio para el espíritu», 1995.Ver imagen.
«Abrazo XI», 1996. Ver imagen.
«Lo profundo es el aire», 1996 Ver imagen.
Escultor y grabador, Eduardo Chillida trabajó principalmente con el hierro y el hormigón.
Comenzó a estudiar arquitectura en Madrid, pero lo dejó, matriculándose en el Circulo de Bellas Artes de la misma ciudad.
En 1948 conoce a Picasso en París.
Trabajó en una fragua el Hernani, algo que junto a sus conocimientos de arquitectura, influyeron de forma decisiva en el desarrollo de su obra.
En 1964 le conceden el Premio de Escultura del Carnegie Institute de Pittsburg.
Así mismo en 1981, le otorgan la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes de Madrid.
Más tarde, en 1983, obtiene el Premio Europäischer der Künste de Estrasburgo.
Chillida era Miembro Honorario de la Royal Academy of Arts de Londres.
Por otro lado en 1984, le concedieron el Grand Prix des Arts et Lettres de París.
Tubo también en su haber el Premio Principe de Asturias de las Artes de 1987.
Japón le otorgó el Premio Imperial Japonés en 1991.
Cillida creó en la última etapa de su vida Chillida Leku, un museo situado en un caserio de Hernani, en cuyos jardines se pueden contemplar sus obras al aire libre, disponiendo de áreas expositivas en el propio edificio.
Cillida creó en en la última etapa de su vida el Chillida Leku, en donde se puede contemplar sus obras al aire libre
Comenzó su trayectoria realizando escultura figurativa, pero paulatinamente su trayectoria artística tendió a la abstracción.
Es considerado como un importante continuador de la obra de Juli Gonzalez y Pablo Picasso.
Crea o bien figuras geométricas macizas o bien ligeras.
También trabajó con materiales como la madera, el hormigón, la piedra, el alabastro o el acero.
Trabajó con la madera, el hormigón, la piedra, el alabastro y el acero
A partir de los años 80, realizó piezas de grandes dimensiones como «Gure Aitaren Etxea», que se encuentra en el parque Europa de Gernica-Lumo.
Chillida expuso en tres ocasiones en la Bienal de Venecia (1958, 1988 y 1990).
El museo Solomon Guggenheim de Nueva York realizó una exposición retrospectiva sobre Chillida en 1980. El Guggenheim Bilbao presentó otra en 1999.
Fue enterrado en Chillida Leku.
Para finalizar propongo un mayor acercamiento a la persona del artista a través de interesantes reportajes que nos ayudarán a comprender mejor al escultor y su obra:
Entrevista a Chillida y su proceso creativo:
Su Proceso Creativo
Chillida, Lo profundo es el Aire:
Lo Profundo es el Aire
Eduardo Chillida the Steel Sculptor:
El Escultor del Acero
Una reflexión sobre Cillida Leku:
Chillida Leku
Jorge Oteiza
Orio 1908, San Sebastián 2003.
El museo Guggenheim Bilbao en su colección las siguientes obras:
«Construcción vacía con cinco unidades Malevich curvas», 1957. Ver imagen.
«Hillargia», 1957. Ver imagen.
«Caja metálica por conjunción de dos triedros. Homenaje a Leonardo», 1958. Ver imagen.
«Ensayo de desocupación de la esfera», 1958. Ver imagen.
Oteiza era uno de los grandes escultores vascos.
Sus primeras obras estuvieron influenciadas por el expresionismo y el primitivismo.
Sus primeras obras estuvieron influenciadas por el expresionismo y el primitivismo
Entre 1934 y 1948, Oteiza vivió en varios países de Iberoamérica, estudiando las esculturas precolombinas, relacionándose con artistas como Negret o Roca Rey.
De regreso a España, recibió el encargo de realizar las esculturas de friso de la Basílica de Arantzazu, un grupo escultórico que representa a los apóstoles. Su trabajos fueron iniciados en 1952, prohibidos por la Iglesia en 1954 y por fin concluidos en 1968.
Friso de la Basílica de Arantzazu
Jorge Oteiza
Foto: JALISKO Pixabay
Cuando llegó a España experimentó una transformación, pasando de la escultura masa a artefactos principalmente espaciales y energéticos.
Fue un escultor de formación autodidacta, visionario y turbulento.
En 1959, cuando se encontraba en lo más alto de su carrera, anunció que abandonaba la escultura, ante la perplejidad general. Entre otras cosas le había sido concedido el Primer Premio de la Bienal de Sao Paulo en 1957, con exposiciones en América y contratos de representación en Alemania, entre otros.
Oteiza fue un escultor autodidacta, visionario y turbulento
En las esculturas de Arantzazu , utilizó lo que denominó el uso exhaustivo del vacío y lo negativo. Unas esculturas mínimas y vacías, que Richard Serra consideró que eran precursoras del minimalismo.
Oteiza publicó varios libros en los que expresaba sus preocupaciones teóricas, presentes en su trayectoria artística y personal.
A finales de los años setenta continuó su actividad teórica y dedicó su tiempo a la poesía.
Así mismo experimentó con el cine.
Sus proyectos frustrados forjarán un fuerte carácter.
En 1988 la Fundación La Caixa organizó una exposición antológica sobre su obra en Madrid, Bilbao y Barcelona, ensalzando su trayectoria escultórica. Ese mismo año expuso en el Pabellón Español de la Bienal de Venecia, con el impacto internacional que esto implica. También en 1988 le concedieron el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.
El Alzuna, Navarra se halla la Fundación Museo Oteiza
En 1996 Oteiza y el Gobierno de Navarra acordaron el destino del patrimonio de la Fundación Oteiza, a la que donó su colección personal. En la localidad navarra de Alzuza se estableció la Fundación Museo Oteiza, con 1.650 esculturas y 2.000 piezas de su laboratorio experimental, además de 5.000 libros de su biblioteca personal y de un gran número de dibujos.
Como conclusión a este apartado sobre Oteiza, qué mejor que escuchar las palabras del artista sobre su obra.
Oteiza explica su obra:
Explica su Obra
Y nos acercamos al Museo Oteiza Museoa:
Museo Oteiza Museoa
Yves Klein
Niza 1928, París 1962.
El Guggenheim Bilbao posee dos obras de Klein en su colección.
«La gran antropometria azul», 1960. Ver imagen.
«Fuente de fuego», 1961. Ver imagen.
Perteneció al movimiento neodadaista y es uno de los fundadores de nuevo realismo francés.
La mayoría de sus primeros trabajos son realizados con un solo color.
Patentó el azul intenso y lo llamó International Klein Blue.
Klein patentó el color Klein blue
Utilizó cuerpos de mujer cubiertos de pintura para realiozar sus cuadros y lo denominó antropometría o pinceles vivos.
En 1958 fue llamado para decorar la Ópera de Gelsenkirchen, Alemania, donde realizó una serie de murales en color azul.
También se dedicó a la escultura, mediante réplicas de la Victoria Alada de Samotracia y la Venus de Milo, pintándolas de su célebre azul.
Practicó en yudo y estuvo influenciado por la filosofía Zen.
Realizó también una composición musical, una sinfonía monótona, 20 minutos de un acorde sostenido y otros 20 minutos de silencio.
Me gustaría finalizar la descripción de Klein recomendando un vídeo en el que habla Daniel Moquay, marido de la viuda del pintor y el gestor de sus archivos. Nos acerca a la persona y al artista, su inspiración, sus creencias y nos ayuda a comprender su obra:
Su Inspiración
Willem de Kooning
Rotterdam 1904, Long Island 1997.
El Guggenheim Bilbao consideró importante adquirir una obra de este artista para integrarla en su colección.
«Villa Borghese», 1961. Ver imagen.
Pertenece a la corriente artística del expresionismo abstracto. Se trata de una corriente artística surgida tras la Segunda Guerra Mundial entre los artistas europeos exilados en Estados Unidos.
El expresionismo abstracto se basa en el gesto.
Kooning se encuentra entre los llamados pintores de campos de color o del silencio.
Kooning se encuentra entre los llamados pintores de campos de color o del silencio
«Villa Borghese» es una obra inspirada en Roma y toma su nombre del parque romano. Se inspira en los colores mediterráneos, el amarillo del sol y el azul del cielo y el mar, el verde del campo.
Propongo ver el siguiente vídeo que trata la evolución en la obra de de Kooning a lo largo de su vida:
La Evolución de Kooning
Robert Rauschenberg
Port Arthur, Texas 1925, Captiva Island, Florida 2008.
El Guggenheim Bilbao posee de una obra de este artista en su colección.
«Barcaza» 1962-1963. Ver imagen.
Estudió en el Kansas City Art Institute, en la Académie Julian de París y posteriormente en Mountain College de Carolina del Norte y el Art Students League de Nueva York.
En sus esculturas reutilizaba objetos desechados.
Alcanzó su momento álgido en 1959, durante su transición del movimiento expresionista abstracto al Pop Art del que fue uno de sus mayores referentes.
Rauschenberg alcanzó su momento álgido en su transición al Pop Art
Trabajó también con la fotografía y el grabado.
En 1964 fué galardonado con el Gran Premio de la Bienal de Venecia, el primero de su país en lograrlo.
En 1995 le concedieron el Premio Mundial de Artes Leonardo de Vinci del Consejo Cultural Mundial.
Fue famoso por sus «Combines», en las que integra pintura y escultura.
La BBC realizó un completo documental en 2016 sobre la vida y obra de Robert Rauschenberg a través de la vivencias de personas que compartieron parte de su vida con el artista:
Pionero del Pop Art
Clyfford Still
Grandin, Dakota del Norte 1904, Baltimore, Maryland 1980.
El Guggenheim Bilbao cuenta con una obra de Still en su colección.
«Sin título» 1964. Ver imagen.
Clyfford Still es un importante representante del expresionismo abstracto.
Ingresó en la Art Students League de Nueva York, pero lo dejó inmediatamente por considerar que no le aportaba nada.
Acudió a la Spokane University de Washington y permaneció un curso. Unos años más tarde regresó y se licenció en Arte.
Con su obra, busca un impacto perturbador, experiencias trascendentales.
Como él mismo afirmó:
«Las mejores obras suelen ser aquellas que tienen el menor número de elementos y los más sencillos: cuadros que resultan obvios, hasta que los contemplas con algo más de detenimiento y empiezan a pasar cosas.»
En este enlace podréis encontrar una breve pero muy precisa descripción sobre las obras creadas por Still:
Descripción de su Obra
El artista decidió donar sus obras, pertenecientes a su colección personal, para la creación de un museo, el Clyfford Still Museum en Denver, Colorado, EEUU. El citado museo posee el 94% de su obra, un total de 2.400 cuadros. Podemos conocer más de cerca esta institución en el siguiente vídeo:
El Museo Clyfford Still
Podemos encontrar más detalles sobre la vida y obra del pintor en el siguiente reportaje:
Vida y Obra
Jean-Michel Basquiat
Brooklyn, Nueva York 1960, Nueva York 1988.
El Guggenheim Bilbao adquirió dos obras de este artista con el fin de integrarlas en su colección.
«El hombre de Nápoles» 1982. Ver imagen.
«Moisés y los egipcios» , 1982. Ver imagen.
De ascendencia haitiana, Basquiat en su juventud pintó graffitis en los vagones del metro de Nueva York. Los firmaba como SAMO (Same Old Shit).
Recibió una gran influencia de Andy Warhol, una estrecha relación que dejó huella en la obra de ambos.
Es el artista visual más destacado del arte afroamericano.
Se sintió muy atraído por el expresionismo abstracto.
Asistió como oyente a la Escuela de Artes Visuales.
Llegó a realizar 40 exposiciones individuales y un centenar de colectivas.
Su obra se define claramente como inconformista y se inspiró en el neo-expresionismo alemán de pintores como Willem Kooning.
Su obra ha sido calificada de contracultura y sin embargo era muy cotizada y su presencia solicitada en los actos más exclusivos.
Pero su adicción a las drogas hizo que muriera joven.
Propongo visualizar el siguiente reportaje sobre la vida y obra de Basquiat, es muy completo y capta la atmósfera que se respiraba en el Nueva York de los años 70 y 80, una ciudad brutal, convulsa pero un gran hervidero de arte:
Vida y Obra
Gerhard Richter
Dresde, Alemania Oriental, 1932.
El Guggenheim Bilbao adquirió una obra de este artista para su colección.
«Marina 1998» Ver imagen.
Estudió en la Academia de Arte de Dresde. Su formación estaba dirigida hacia la publicidad, decorados de escenarios y murales.
Descubrió el expresionismo abstracto y las tendencias de vanguardia en Düsseldorf.
Richter descubrió el expresionismo abstracto
Tuvo una fase de fotografía-pintura o fotopintura en las que fusionaba ambos elementos.
A finales de los años 60 tendió hacia el construccionismo.
En la década de de los 70, se ve influenciado por el minimalismo.
Hacia los años 80 se puede apreciar su tendencia neoexpresionista.
Es uno de los artistas más cotizados actualmente.
Nos podemos acercar al artista y la persona de Richter a través de esta entrevista:
El Artista y su Obra
Andy Warhol
Pittsburgh, Pensilvania, 1928, Nueva York, 1987.
El museo posee una obra de este autor.
«Ciento cincuenta Marilyns multicolores», 1979. Ver imagen.
Su verdadero nombre era Andy Warhole.
Tuvo una infancia enfermiza, que contribuyó en el desarrollo de una personalidad hipocondríaca.
El Guggenheim Bilbao posee en su colección una obra de Andy Warhol
Decidió estudiar artes aplicadas, diseño y artes gráficas, en la Universidad Tecnológica Carnegie Mellon University en Pittsburgh. Al finalizar sus estudios se trasladó a Nueva York, donde comenzó su carrera como ilustrador.
Trabajó como ilustrador para varias publicaciones, labor que despeña con gran éxito obteniendo premios como el Art Directors Club y el American Institute of Graphic Arts.
Warhol tuvo una participación muy relevante en la evolución del movimiento Pop Art.
Autorretrato
Foto: OpenClipart-Vectors Pixabay
Realizó trabajos en pintura, literatura y cine. Fue un icono de la modernidad de su época.
Sus obras utilizan medios muy diversos como la pintura, la escultura, el grabado, la serigrafía, la fotografía o el dibujo.
En 1962 descubrió una técnica de impresión, el estampado serigráfico, que le permitió repetir sus trabajos, trasladando su creatividad a un sistema productivo.
Andy Warhol
Foto: pvdberg Pixabay
Su primera exposición la realizó en California y poco después otra en Nueva York, donde comenzó a utilizar la repetición de la imagen de Marilyn Monroe, las latas de sopa Campbell y las botellas de Coca Cola, que popularmente tanto se identifican con su obra.
Su estudio The Factory fue famoso por ser frecuentado por artistas, famosos de la sociedad neoyorquina de la época, modelos y escritores. En dicho estudio trabajaban sus colaboradores que participaban en la creación de sus obras y que en muchas ocasiones ha servido para cuestionar la autenticidad de sus creaciones.
Su estudio The Factory fue famoso por ser frecuentado por artistas y famosos de la sociedad neoyorquina
No siempre fue admirado, por su tendencia al escándalo y a la utilización de los medios de comunicación, que en algunos casos pudieron llegar a banalizar su obra.
En 1968 Warhol sufrió un atentado por parte de una persona de su circulo de colaboradores. Le alcanzaron dos disparos, quedando en estado grave,. Las secuelas de dicho altercado le acompañaron el resto de su vida. Este acontecimiento no tuvo mucha trascendencia ya que dos días después era asesinado Robert F. Kennedy.
Los años 70 no fueron tan rupturistas para Warhol, años en los que pintó retratos a sus amigos famosos y coches de competición, en lo que se vino a llamar «art car».
En esta última etapa pintó sombras abstractas y trató temas como la muerte y la religión. Exteriorizó su religiosidad, cosa que hasta entonces no había hecho.
En su última etapa pintó sombras y exteriorizó su religiosidad
Tras su muerte en 1987, su trayectoria artística ha sido estudiada por numerosos autores y se han realizado un buen número de exposiciones retrospectivas.
Existen dos museos dedicados a la obra artística de Warhol. El primero, el Andy Warhol Museum, se halla en Pittsburgh, Pensilvania que posee 12.000 obras del artista. La segunda institución es el Andy Warhol Museum of Modern Art y se encuentra en Medzilaborce en Eslovaquia, lugar donde nacieron sus padres.
El siguiente vídeo realiza un detallado recorrido sobre la vida y obra del artista, un retrato de la sociedad neoyorquina de la época y el ambiente que le rodeó y en el que se inspiró:
Vida y Obra
Este reportaje cuenta 15 curiosidades sobre Warhol:
Anécdotas
100 obras de Andy Warhol:
100 Obras
Si quieres conocer en detalle toda la colección de obras del Guggenheim Bilbao puedes acceder a la sección de la web oficial desde aquí.